Imagine Me & You

Imagine Me & You, 2006. Alemanha – Inglaterra. 93 minutos. Romance - Comedia - Lesbianismo.

Con Piper Perabo, Lena Headey, Matthew Goode.

Dirección: Ol Parker.

 

“Sigue a tu corazón” son las palabras que el padre de Rachel le dice a su hija en el momento exacto, justo cuando ella necesita su apoyo para tomar la decisión más importante de su vida.

“Sigue a tu corazón” es una frase que probablemente la continuaremos escuchando; sin embargo, en Imagine Me & You son significativas y, más aún, porque de ellas depende la realización personal.

Imagine Me & You es una película sencilla que trata de ganarse al espectador –y lo consigue- gracias a un guion bien hecho, con personajes interesantes que retratan la vida cotidiana y con los cuales la gente se puede identificar fácilmente; al mismo tiempo, es una película profunda que trata un tema serio, que aún chocan a la sociedad, con mucha responsabilidad y buen criterio.

Es una historia de amor; no obstante, se distancia mucho de la mayoría de las llamadas comedias románticas. Lo más importante es que, a pesar de serlo, Imagine Me & You es original en algunos puntos, lo que hace que la historia sea “real”, “posible” y “creíble”.

La principal diferencia con otras películas del mismo género es que sus personajes viven una vida “normal” y el director no usó recursos absurdos y exagerados para forzar una situación; tampoco hay esa línea tan pobre de las comedias románticas: “encuentro – pasión – separación – sufrimiento – reencuentro final”. Imagine Me & You es mucho más que eso.

Es lógico que no se puede inventar el “agua tibia” y, como tal, Imagine Me & You usa recursos tradicionales de este tipo de producción, mas lo hace con buen gusto y personajes ricamente trabajados: Rachel y Luce.

Entrada de Rachel a la iglesia

Imagine Me & You es la historia  de Rachel, una bella mujer que, justo el día en que se casa, conoce al verdadero amor de su vida, lo que le provocará estar entre la duda y la indecisión hasta estar segura de que lo que supo en tres segundos es lo que realmente quiere.

Cuando Rachel entra a la iglesia para casarse y empieza a caminar en el tradicional desfile hacia el altar, sus ojos se cruzan por un instante con los de Luce, la florista contratada para arreglar la iglesia, y siente una conexión fortísima con ella. Perturbada, continúa caminando hacia el altar mientras Luce sale de la iglesia sin poder dejar de volver la vista hacia atrás.

Rachel se casa, pero empieza su dilema: ¿qué siente por Luce?

Luce: amor a primera vista

Rachel: ¿puedes conocer a alguien con una sola mirada?

En la fiesta del casamiento, Luce se presenta a Rachel que se queda nerviosa, mientras Luce parece más segura de sí misma, aunque también está perturbada. Es verdad que hay algunas situaciones rápidas y graciosas en ese “encuentro”, pero la mejor es la escena en la que Luce se aleja de la fiesta mientras escuchamos la voz de la novia que está haciendo el brindis. La cámara se concentra en Luce que se aleja hasta que la vemos llegar a su casa y recostarse, pero siempre con la voz en off de Rachel.

En lo que llamaríamos la primera parte de la película, Rachel vive la pasión de su nuevo hogar mientras intenta descubrir que significó su encuentro con Luce, pues la florista no sale de su mente. Ella parece saber lo que significa, pero no está seguro de lo que le sucede y en más de una oportunidad se preguntará a sí misma, conversará con sus colegas de trabajo e, incluso, con su esposo para descubrir por qué no está cien por ciento realizada a pesar de haberse casado con la persona que ama.

Primer encuentro entre Luce y Rachel

A sus compañeras les preguntará: ¿Creen en el amor a primera vista? ¿Puedes conocer a alguien con solo una mirada, ver su alma a través de los ojos?

A Heck, su esposo, le pregunta cuando le cuenta que fue a la tienda de Luce a agradecerle por las flores: “¿Te ha pasado que conoces a alguien y sientes como si fuera a ser tu amigo? No sé por qué. ¿Una vida pasada? ¿Una fisonomía? Pero por alguna razón hay una conexión...”

Con el pretexto de que Luce es perfecta para Cooper, el mejor amigo de su esposo y padrino de la boda, organiza una cena para tratar de juntarlos porque piensa que ambos, que se conocieron en la boda, congeniaron; sin embargo, parte de la conversación se centra en los propios dilemas de Rachel que se siente atraída por Luce, aunque no sabe cómo explicarlo. Hablan muy ligeramente de reencarnación y Rachel dice que piensa que conoce a Luce, a lo que ella le responde: “Yo te recordaría”. Y ante la pregunta de cómo conocer a la persona indicada, Rachel dice que no lo sabe enseguida; que solo siente calor, comodidad y “te quedas ahí hasta que descubres que es amor”.

Pero Luce no está de acuerdo: “Creo que sabes de inmediato. Sabes en corto tiempo. Entonces comienza a ir solo y pruebas que tuviste razón desde el primer momento. Cuando te das cuenta que estabas incompleta y ahora estás entera”.

Esta afirmación de Luce le confunde más a Rachel; el problema de ella es que está sola y se siente sola para poder descubrir y definir lo que le sucede: ella está casada con Heck, pero piensa constantemente en Luce: se imagina tocándole la mano, acariciándole el rostro.

Mientras tanto, Luce sí sabe lo que le sucede en relación a Rachel y tiene con quien compartir sus dudas: su madre, pues con ella mantiene una buena relación en la que hay confianza y seguridad para hablar de las inquietudes y necesidades. (Excelente punto que está bien tratado en la película aunque de forma sencilla, pues se trata de una comedia romántica y no puede entrar en análisis más profundos).

Luce se presente desde el principio de la historia como lesbiana y demuestra seguridad de su sexualidad.

Esa sexualidad que ahora Rachel intenta definirla alquilando una película pornográfica con lesbianas. No es simplemente curiosidad: es la necesidad de saber lo que nunca antes se lo había planteado con claridad y una serie de coincidencias empiezan a suceder para que finalmente Rachel pueda tomar, más adelante, su decisión, pues Luce, a pesar de que se ha enamorado de Rachel, trata de mantener la distancia necesaria, pues Rachel aún está casada y no quiere perjudicar a la pareja.

En una conversación con Cooper, le pregunta a éste: “¿Alguna vez has conocido a alguien que ya tiene a alguien?” Cooper le dice que él solucionaría el problema seduciéndola porque el problema no es de él y sí de la pareja. Pero Luce afirma: “yo nunca separaría a la pareja. No les causaría problemas. Solo aceptas el hecho de que no puede pasar y te alejas”. (Otro detalle interesante sobre la seriedad con que se trata en la película el tema de la fidelidad y de las traiciones).

Pero todo parece indicar lo contrario.

La amistad entre las dos mujeres crece y empiezan a pasar bastante tiempo juntas, por encuentros casuales, como en el supermercado o en la escuela donde estudia la hermana menor de Rachel, o cuando salen juntas, pues se han hecho amigas.

Estos encuentros aceleran la confusión de Rachel, principalmente cuando una noche van a un partido de fútbol y luego se divierten bailando. La sintonía entre ambas es total y mientras regresan a casa, a pedido de Rachel, Luce le explica lo que significan los “lirios”, las flores preferidas de Rachel: “Te reto a que me ames”.

 

¿Es solo el significado de los lirios o es un reto de verdad?

Rachel está cada vez más confundida y el tiempo transcurre y su relación con su marido va perdiendo la magia de los primeros meses.

La amistad entre Luce y Rachel, hasta ese momento, ha transcurrido con naturalidad. Los personajes no han sido forzados a ser lo que no son. Los descubrimientos de una y la neutralidad con que trata de vivir la otra se han desarrollado lentamente y de una manera lógica. Ninguna de las dos chicas se ha lanzado a una "búsqueda" desenfrenada, típico de las pobres comedias románticas, solo para satisfacer una curiosidad que nadie a dónde le puede llevar.

Mientras tanto, Heck vive su propio doble drama. Es un hombre que trabaja en el mercado financiero y no es feliz haciendo lo que hace. Su sueño profesional es otro y desearía poder renunciar a su trabajo. Las pocas escenas en que aparece en este medio ayudan a entender su comportamiento y sus dificultades para decidir hacer lo que hace mucho ya debería haberlo hecho: tiene miedo de hacerlo.

Al mismo tiempo, ve que su matrimonio ha entrado en un período de crisis. Mientras Rachel vive emocionada con lo que le sucede, él pasa a sentirse impotente y no sabe qué hacer. Intenta pedir ayuda, primero a su suegro, quien le dice que no quiere saber nada de la intimidad de él con su hija; luego le pide a gritos ayuda a la propia Luce. 

Lo que pasa es que Heck tiene miedo de perder a Rachel y no se atreve a preguntarle a su propia esposa qué le sucede, aunque al final confesará que siempre tuvo miedo de un día perderla.

Rachel, sus padres y la madre de Luce: apoyo total

En ese momento que Rachel finalmente reconoce su amor por Luce. No menciona en ningún momento la palabra “lesbiana’ (otro toque bien hecho en la película: es la historia de dos mujeres que simplemente se aman y no hay por qué encasillarlas en términos como “lesbiana”, “heterosexual”, etc.), mas percibe lo que le sucede a Heck y toma una decisión: ama a Luce pero no está dispuesta a perjudicarle a su esposo, razón por la cual decide terminar todo lo que no llegó a empezar con Luce, a pesar de que sabe que ésta también la ama.

Pero, ¿qué es el amor? ¿Qué es el matrimonio? ¿Hasta qué punto vale la pena mantener una relación con “la pareja” solo para no sentirse culpable, sabiendo de antemano que se sentirá infeliz de ahí en adelante y esa infelicidad será contagiosa para el otro?

Luce decide alejarse y marcharse de la ciudad porque no quiere ser la culpable de separar a una pareja; su madre la apoya y le hace sentir bien, demostrándole que no ha hecho nada malo.

Es entonces que Heck vence su miedo y le dice a Rachel: “Que me dejes, no me va a matar. Si no que ames a alguien más. Si me respetas, me dejarás. Quiero que seas feliz. Quería ser la causa de tu felicidad, pero si no lo soy, no me interpondré porque lo que sientes es una fuerza incontenible y significa que me debo ir”.

El resto, es el desenlace emocionante de la película. Y un desenlace que no puede ser considerado superficial. Tal vez lo asuste a los ultra-conservadores, a los intolerantes, a los prejuiciosos, a los miedosos, pero el final es lo que se espera de la película, así como la decisión que toma Heck, una decisión que muestra la coherencia de la historia y de la evolución de los personajes.

Luce

Rachel

“Sigue a tu corazón” le dice el papé de Rachel a su hija y ella seguirá a su corazón.

Sigue a tu corazón

Entre los diversos méritos que podemos destacar de Imagine Me & You uno es cómo se presenta la homosexualidad femenina. De una forma natural, como debe ser, sin prejuicios de ninguna índole. Rachel y Luce son dos mujeres, cien por ciento "femeninas". Luce tiene una buena relación con su madre y es feliz como es. Rachel sufre para descubrir lo que es, pero cuando lo descubre, es feliz y el apoyo final de sus padres es fundamental para que Rachel pueda gritarle a Luce sin miedo: “Puedo hacerlo”, es decir: puedo amarte, quiero amarte y quiero vivir contigo.

En este sentido, la película rompe con la mala tradición de muchas producciones que presentan personajes femeninos homosexuales que de una forma u otra están involucrados con dramas, con traiciones, con drogas, con psicosis, etc. En Imagine Me & You las dos chicas son lindas, viven la vida bien, con tranquilidad, con valores, sin meterse en esos “estereotipos” que solo han denigrado a los homosexuales porque que sean homosexuales no significa que deban vivir una vida de sufrimiento y angustias existenciales.

Luce y Rachel: dos mujeres que se aman

Otro punto positivo es la actitud de los padres. La madre de Luce es un pilar al que su hija puede recurrir en cualquier momento. Y los padres de Rachel consiguen apoyarla cuando ella más los necesita: no la abandonan. Le dan la mano y la acompañan. Esta es una excelente lección que se transmite en la película sin ningún tipo de moralismo.

Vale la pena también destacar que en la película no se da la “típica traición”, muy común en comedias románticas en las que uno de los personajes descubre su "verdadero amor". Las relaciones de los personajes de Imagine Me & You son positivas y constructivas. Las decisiones que ellos toman son las que hacen falta para que puedan vivir en paz consigo mismos.

La película presenta dos personajes secundarios interesantes: Cooper y H.

Cooper es el mejor amigo de Heck y representa el lado machista en relación a la homosexualidad. Cuando se entera que Luce es lesbiana, él piensa que es fantástico porque "él" tiene la cura para el problema de Luce. Cooper es mujeriego y hace hincapié en presentarse como una persona fría y superficial. Su participación es pequeña pero ayuda a colocar en la balanza el otro lado de la moneda, que lamentablemente aún existe.

Heck siempre supo que a Rachel la perdería

H es la abreviatura de Henriette, la hermana menor de Rachel. Ella dice que todos la llaman de “H” por “Jesús Christo”, que fue lo que su mamá dijo cuando se enteró que estaba embarazada de ella. H es una niña curiosa que hace las preguntas más insólitas con el objetivo de confundir a los adultos y, al mismo tiempo, de que le hagan caso. (Una de sus preguntas al comienzo de la película mientras su hermana se prepara para la boda es: ¿Por qué el abecedario tiene ese orden?) Y de todos los personajes, es Luce quien la comprende desde el principio, razón por la cual se establecerá una fuerte amistad entre ellas.

La película termina con la canción  “Happy Together” interpretada por The Turtles de donde sale el título de la misma. Mientras la escuchamos se nos ofrecen finales alternativos positivos para los demás personajes de Imagine Me & You: un final optimista para la vida.

Texto original de Patricio M. Trujillo O.

Está prohibida la reproducción total o parcial del texto sin la autorización escrita del autor.

Super

Super, 2010, Estados Unidos, 96 minutos. Comedia, Acción, Drama, Aventura.

Con: Rainn Wilson, Ellen Page, Liv Tyler, Kevin Bacon, Nathan Fillion.

Dirección: James Gunn.

Super es una película con “super” héroes, “super” interesante, “super” difícil de definir su géneo, “super” violenta, “super” graciosa (para quien le gusta el humor negro), con “super” villanos y con un final “super” sorprendente.

Humor negro, comedia, drama y acicón 

El humor negro presenta, en general, situaciones que hoy serían llamadas de "políticamente incorrectas". El humor negro contempla estas situaciones desde otra perspectiva con el objetivo de hacer una crítica, de manera divertida, de aquello que en la vida real no produce humor. Por ese motivo, no todas las personas llegan a entender este tipo de humor y muchas veces se lo confunde con humor de pésima calidad. Sin embargo hay que recordar que el humor negro tiene mucho más impacto que la crítica directa a una misma situación presentada de manera convencional.

Super es una comedia de humor negro en el que se mezcla el drama y el absurdo de ciertas situaciones cotidianas para provocar en el espectador la risa como "escape" de esas situaciones agobiantes de las cuales es difícil escapar. Es una película de acción en la que "super" héroes tendrán que enfrentarse a un "super" villano que tiene cuatro poderes a su alcance: su pistola, las drogas, la prostitución y la maldad. Es un drama psicológico, pues sus personajes son seres frágiles, que están solos en el mundo y están desesperados por sobrevivir cuando las dificultades les agobian, pues no saben cómo encajarse en un mundo que los ignora, que los trata como "raros". Finalmente, es un filme explosivo por la cantidad de incendios, explosiones y tiroteos que hay.

Super es una película que le desafía al espectador: se la puede ver desde una manera superficial, deteniéndonos en su aspecto violento, en el mejor estilo “Trash” o, podemos buscar en ella algo más profundo: un juego donde se mezcla la pasión humana, la fantasía, la esperanza, el abandono, la soledad y la neurosis urbana.

Super es una obra que nos divierte con situaciones cómicas, ridículas, absurdas (como, por ejemplo, cuando el “héroe” tiene que cambiarse de ropa desesperadamente en un auto para ir a defender sus derechos - lo que es una sátira a las historias de súper héroes -, o cuando entra a una tienda de armas para comprar todo lo que necesita como si estuviera en un supermercado común y corriente). Al mismo tiempo, la película puede provocar cierta repugnancia con sus escenas violentas en la que se mata a diestra y siniestra, con tiros que destruyen rostros, cabezas y manchan las paredes con toneladas de sangre.

¿Quién es 'Super'?

¿Qué se puede decir del héroe de Super: un hombre que viste un traje rojo, ridículamente mal hecho, que tiene una llave inglesa como única arma, que sale por las calles con el único objetivo de recuperar a la mujer que él cree que la ama y que ella lo ama?

Sarah y Frank

¿Qué podemos comentar de la super heroína que decide ser la compañera del “héroe” porque los super héroes tienen un compañero, como Batman y Robin; no obstante, en el fondo solo es una pequeña psicópata que intenta encajarse en el mundo?

A pesar de estas pinceladas que pueden darnos la idea de que estamos frente a una película común y corriente, Super nos sorprende con su discurso final que nos dice que lo que acabamos de ver es mucho más serio de lo que parece; no se trata solo de dos personas que se visten ridículamente para salir a la calle y empezar a trabajar como "vengadores". Estos "vengadores" o "héroes" son personas que quieren algo más en sus vidas, pero no saben como pedirlo; por otro lado, los actores se lucen en sus papeles: Rainn Wilson representa muy bien a un patético Frank Darbo y la gran Ellen Page consigue hipnotizarnos con su instinto violento y una dulzura escondida.

La historia y los personajes.

La historia de Super parece muy sencilla, pero sus personajes son complejos y caminan al borde de la locura; cada paso dan es peligroso; sin embargo, si no lo dan, también pueden morir sofocados por esa locura que los rodea en las cuatro paredes en las que viven encerrados: Frank en su casa y Libby en la tienda en la que trabaja.

Super es la paradoja de la vida en una sociedad que convive con la soledad, la violencia, la indiderencia y los sueños de personas que saben lo que está correcta y lo que está correcta; que se sienten impotentes frente a la indiferencia y al quemimportismo de los demás.

Es por eso que, cuando el super héroe está frente al villano apuntándole con el arma, le grita en la cara: “No debes meterte en la fila. No deben vender drogas. No debes abusar de niñitos. No debes beneficiarte de la desgracia de los otros. Las reglas se establecieron hace mucho tiempo. No cambian”

Los gritos del super héroe sin poderes parecen ser los gritos silenciosos de millones de personas que viven la misma situación todos los días en cualquier ciudad.

Frank Darbo es un hombre patético que se autocompadece con el sufrimiento y que se ha conformado con una vida mediocre, en la que, según sus palabras, solo ha habido dos grandes momentos de felicidad: cuando se casó con Sarah (Liv Tyler) y cuando ayudó a un policía a atrapar a un criminal.

 

Frank trabaja como cocinero en un restaurante y dibuja de una manera infantil sus momentos de felicidad; recuerda los casos de humillación que ha sufrido a lo largo de su vida y no sabe cómo detener la tormenta que se le aproxima: Sarah, su esposa, una mujer que ya estuvo en la cárcel y que ha tenido problemas con drogas y alcohol, se distancia de él y no quiere ser "salvada".

Jacques e Frank

Pero antes del abandonarlo, Frank conoce a su rival: Jacques (Kevin Bacon). La situación no puede ser la más humillante. Él está en su casa preparando el desayuno cuando llega Jacques y pregunta por Sarah. Al verlo preparando unos huevos, Jacques se autoinvita a comer y humilla a Frank quitándole su comida y mostrándole que él puede hacer lo que quiere y que Frank no puede hacer nada, a no ser mirarlo de manera ofendida. Jacques disfruta con lo que hace porque sabe que Frank nunca podrá defenderse.

Finalmente, Sarah, seducida por Jacques, vuelve al mundo de las drogas y abandona a Frank. Éste se desespera y corre atrás de ella. Le suplica que vuelva, pero lo único que consigue es que los amigos de Jacques le den una paliza. Frank, entonces, intenta que la policía lo ayude, pero no pueden hacer nada porque no ha habido ningún delito ya que no es un crimen el que su esposa lo haya abandonado.

Frank y Libby preparan sus armas para combatir al mal.

Pero Frank no pierde la esperanza de recuperar a su esposa y, una noche mientras ve su programa favorito de televisión, en el que un super héroe cristiano combate contra Satanás, cree que Dios le inspira y le da la fuerza necesaria para que se transforme en un héroe y, de esta forma, no solo que combata contra el crimen, sino que también pueda recuperar a Sarah.

El héroe cristiano

La escena de la inspiración divina es divertida y grotesca al mismo tiempo: la cabeza de Frank es abierta como si fuera la tapa de un recipiente y, cuando está abierta totalmente, aparece un dedo gigantesco de Dios que le transmite la energía necesaria al cerebro para transformarlo en un "héroe" de verdad.

Pero este héroe que se fabrica su propio traje no tiene poderes y se ve en la necesidad de buscar un arma: una llave inglesa, con la que atacará a los delincuentes, rompiéndoles el rostro y la cabeza en una serie de escenas violentas que, a pesar de que están hechas al estilo “Trash”, tienen su razón de ser: muestran lo que sucede en el interior de Frank: un hombre sin aspiraciones en la vida y que no quiere perder lo único que le mantiene con esperanzas en la vida: su esposa.

Super: Frank y Libby

Frank tanto como 'Frank' o como 'súper héroe' es patético y el traje rojo no le ayuda a cambiar de personalidad. Continúa llevando una vida mediocre y se arrastra por el mundo sin ningún sentido. Con sus dos personalidades, él continúa viendo en el rostro de sus enemigos la presencia de monstruos que le destruyen a él y a la sociedad.

Como super héroe sale por las noches a defender a los necesitados y las primeras noches las pasa sentado atrás de un basurero esperando que el “crimen” aparezca. Como éste no aparece donde él está, sale a buscarlo y golpea violentamente a los que abusan de las personas: al individuo que vende drogas en la calle, al hombre que intenta seducir sexualmente a un niño, al hombre que no respeta la fila del cine e intenta colarse, al ladrón que ataca a una mujer... Todos aquellos que no respetan las normas básicas de la convivencia social son enemigos que deben ser destruidos.

Como súper héroe, él trata de hacer, definitivamente, aquello que no puede hacer como Frank, porque como un hombre común y corriente pasa las horas en la casa sentado viendo la televisión, aburrido de la vida; es decir, pasa la vida sin hacer nada de provecho.

Libby con sus garras al estilo X-Men

Sin embargo, Frank es infeliz porque no consigue ser el "héroe" que le gustaria ser; no logra llevar a cabo la misión “divina” que le han dado. Las horas de su vida pasan lentamente hasta que aparece Libby.

Frank y Libby en la tienda en la que ella trabaja

Ella es una muchacha ansiosa que se identifica enseguida con Frank y que sabe que él es el que se esconde atrás del traje rojo; con Frank ella tiene la oportunidad de dejar fluir libremente lo que le presiona por dentro: la violencia.

Libby es una pequeña psicópata que disfruta en ser la súper heroína que le acompaña al héroe porque puede destruir todo lo que se le pone por delante con su traje verde amarillo. Ella sale a la lucha y deja que su instinto le guíe, aunque éste lo pueda destruir.

Al mismo tiempo, Libby es la fuerza que Frank necesita para seguir con su misión, pues éste vive en crisis porque en lo más profundo de su interior sabe que la violencia que está desencadenando en la ciudad no le lleva a ningún lugar; sus valores de respetar las reglas sociales son muy fuertes y no sabe qué hacer con ese dilema que vive; si no fuera por Libby, probablemente Frank desistiría de su “misión” divina y se entregaría al abandono total.

Libby y Frank

Libby consigue al final transmitirle a Frank la energía necesaria para que se enfrenten a Jacques aunque, para eso, tendrá que hacer dos grandes sacrificios: tendrá que perder a las dos mujeres de su vida: Libby y Sarah.

La autodestrucción.-

Como dijimos anteriormente, la película abusa de la violencia; sin embargo, si no fuera de esta forma, no se entendería el conflicto de autodestrucción en el que viven sus cuatro protagonistas.

Frank no consigue vencerse a sí mismo y vive autocompadeciéndose porque no es capaz de rehacer su vida. Está obsesionado con el pasado y nunca tuvo la oportunidad de empezar de cero. Es más fácil continuar siendo una víctima, aunque sus deseos, sus aspiraciones sean honestos, puros y desinteresados.

La pequeña Libby tiene mucha fuerza; es una persona llena de vitalidad, sin embargo, esa fuerza está dominada por su instinto de lucha que le hace ser destemida.

Jacques es un individuo malo, cruel, egoísta, que está acostumbrado a hacer lo que le da la gana. Él es su mundo. Los que están a su lado solo sirven para ayudar a construir "su mundo". Una de sus frases más importantes en la película al referirse a su novia es: cuando alguien piensa que tu novia es una prostituta, debes cambiar de novia.

Sarah se arrastra por el mundo sin darse cuenta de quiénes son las personas que la rodean; sus necesidades son inmediatas y si estuvo interesada alguna vez en Frank, fue más por lástima que por amor; por eso, no duda en abandonarlo y volver a esa vida en la que no hay ninguna aspiración, a no ser el sobrevivir; no obstante, al final parece ser la única que puede tener una segunda chance en la vida.

Un problema sin solución.-

Cuando Frank finalmente se enfrente a Jacques en la mansión de éste, Jacques le grita en la cara: “¿De verdad crees que con matarme, apuñalándome, va a cambiar el mundo?”

La pregunta es cien por ciento válida: ¿a dónde nos lleva la violencia? ¿La violencia genera violencia? Super no se preocupa en darnos esa respuesta, ya que no tiene esa intención. La película no entra en cuestionales morales, no porque sea una comedia, sino porque su objetivo es hacer un retrato del "yo interior" de aquellos que se consideran débiles y no saben cómo exteriorizar sus problemas; sin embargo, no deja de lado los ideales.

Por eso Frank, al final de tantas dudas, le responde a Jacques: “No lo puedo saber a menos que lo intente”.

Para finalizar, a lo largo de la película se hace referencias discretas –sin caer en la parodia- a otras películas y series de la televisión. Cuando vemos a Frank en su enfrentamiento final contra Jacques, caminando delante de las explosiones que ocurren a su espalda, nos recuerda al todo poderoso Rambo; las armas que Frank fabrica para Libby cuando deciden finalmente ir al rescate de Sarah son idénticas a las de uno de los personajes de X-Men; y claro, las inconfundibles palabras onomatopéyicas que aparecen cuando Frank y Libby destruyen al enemigo nos recuerdan al Batman de los años sesenta.

La película tiene un guion dinámico y el mundo que rodea a los personajes pasa prácticamente inadvertido. Todo está centralizado en los cuatro personajes que luchan consigo mismo y con los demás.

¿Quiénes son realmente Frank y Libby?

No es la mejor película del mundo, pero es una película independiente, divertida, muy bien hecha y vale la pena verla e intentar descubrir quiénes son realmente Frank y Libby.

Texto original de Patricio M. Trujillo O.

Está prohibida la reproducción total o parcial del texto sin la autorización escrita del autor.

Taromenani. El exterminio de los pueblos ocultos.

Taromenani, 2007, Documental, Ecuador. 60 minutos.

Dirección: Carlos Andrés Vera.

 

Taromenani. El Extermenio de los Pueblos Ocultos es un documental bien hecho que le deja al espectador con un sabor “amargo”.

Es la historia de un genocidio que ocurrió en 2003 en la selva amazónica ecuatoriana y frente al cual, tanto las autoridades como la ciudadanía en general, se mantuvieron indiferentes.

¿Por qué?

Taromenani intenta encontrar la explicación y la respuesta a esta pregunta.

Para la explicación, el director nos lleva a un recorrido de lo que ha sucedido en los últimos sesenta años en parte de la selva amazónica ecuatoriana, donde desde intereses “evangélicos fundamentalistas” hasta petroleros y madereros se han encargado de dividir pueblos, dominarlos, transformarlos y empobrecerlos tanto económica como humanamente; pero, no hay una sola respuesta y, como lo dice el director en la presentación del documental, es un trabajo incompleto.

¿Por qué?

Imagen de la Taromenani: la selva amazónica ecuatoriana

Por la indiferencia de una sociedad que no sabe ni quiere saber nada de lo que sucede con los pueblos indígenas ocultos, con los “no contactados”; porque lo que interesa es el supuesto beneficio económico “para la patria”.

Carlos Andrés Vera al comienzo del documental hace dos observaciones importantes que nos ayudan a entender lo que le motivó al cineasta a hacer Taromenani; mas, también son dos reflexiones que reflejan lo que sucede en un país donde se desconoce a sus propios habitantes.

“Más de 30 niños y mujeres fueron asesinados en la selva ecuatoriana... Todo fluía como si nada... Si los masacrados hubieran sido blancos, la sociedad se vería conmocionada, pero fueron indígenas no contactados. Muy pocos se enteraron y a casi nadie le importó”

Esta afirmación no es exagerada y muestra claramente lo que una sociedad trata de esconder con hipocresías: un país racista.

En el documental no se hace esta afirmación; sin embargo, el racismo es uno de los tantos motivos del por qué a nadie le importó que fueran asesinados los Tagaerí. Y, como dice Vera, si fueran blancos, otra sería la historia.

Lanza Taromenani

La segunda observación válida es cuando se nos recuerda que lo que se llama tierra virgen, no lo es porque desde hace muchos cientos años ya había gente viviendo ahí...

Gente con cultura, con tradiciones, con una vida. Gente que merece vivir con dignidad según sus propias tradiciones y no la impuesta por el “blanco” dominante; gente que se ha visto obligada a abandonar sus tierras porque han llegado los “nuevos conquistadores”.

Taromenani es un documental dinámico que intenta ser objetivo, en la medida en que se puede tratar de serlo frente a un genocidio de ese tamaño en pleno siglo veintiún; además, nos muestra cómo los pueblos indígenas amazónicos han ido perdiendo, no solo tierras, sino su cultura; cómo se han transformado en los “mendigos del petróleo”

Por otra parte, técnicamente Taromenani es un documental bellísimo tanto en su fotografía como en el guión y la excelente banda sonora de Mauricio Vicencio.

Taromenani El Exterminio de los Pueblos Ocultos

Vera usa en su documental bellas imágenes de la selva; documentos gráficos antiguos; una buena dramatización del crimen que impacta con los silencios, los gritos, las imágenes oscuras y los rostros sangrientos de las víctimas (estas últimas imágenes bellísimas y sufridas en un interesante contraste de colores y de silencio); entrevistas a autoridades locales y nacionales, a los habitantes de la selva y a los propios criminales.

De todo esto, vale la pena destacar algunos elementos especiales y que son muy significativos en la película.

Si los masacrados hubieransido blancos....

Primero: la mezcla de imágenes del Quito histórico y su población mestiza con imágenes de los indígenas amazónicos. Esta propuesta fotográfica que aparece al principio de la producción parece decir a todos: atención: “vamos a hablar de nuestra gente”. Tal vez sea la necesidad de recordar que el país es mestizo y que no se puede ni se debe negar la sangre india.

Segundo: se hace referencia al equipo de fútbol Aucas, el “ídolo del pueblo”. Se menciona la fecha del 22 de octubre de 2006 cuando este equipo pierde la categoría profesional de fútbol y provoca el sufrimiento de sus hinchas... Aucas... Para muchos no es más que un equipo de fútbol, sin embargo, ¿quiénes son y fueron los verdaderos “Aucas”? Como dice la película al referirse al sufrimiento de los hinchas auquista que la gente no sabe “que la verdadera historia de los aucas se ha escrito siempre con sangre”.

La verdadera historia de los aucas se ha escrito con sangre

A partir de esta referencia, Taromenani empieza la difícil tarea de reconstruir la historia de estos indígenas que fueron designados bajo un nombre genérico en la selva amazónica. Tribus feroces que han ido sucumbiendo a los más varios tipos de colonización en los últimos 60 años. Algo que empezó con el Campamento Lingüístico de Verano, una secta evangélica fundamentalista que llegó incluso a “secuestrar” a una indígena para aprender el lenguaje de estos pueblos; iniciando así, un proceso “irreversible” de destrucción y aculturación.

Un tercer elemento que es digno de destacar es la bella imagen que se crea con un libro al relatar la historia de los Aucas y el significado de esta palabra. Es realmente un trabajo artístico de buen gusto y excelente calidad, así como muchas otras escenas a lo largo del documental.

Por último, como ya dijimos anteriormente, la banda sonora de Mauricio Vivencio se destaca en toda la película; sin embargo, el punto clave de esta música, son los minutos finales del documental, con imágenes naturales y referencias a las personas involucradas en la trágica historia, mientras se escucha el tema-canción de la película: no hay más palabras que decir. al respecto.

 

Para finalizar, Taromenani es un documental que debe ser el punto de partida para poner fin a la destrucción de los pueblos “no contactados” y poner fin a los engranajes políticos-económicos y asesinos de aquellos que no dudan en exterminar pueblos solo para aumentar sus cuentas bancarias; por otro lado, es chocante descubrir a través de la película que los culpables del “genocidio” están libres a pesar de que se sabe quiénes son los asesinos.

¿Qué tipo de sociedad es esta? ¡Ecuador!

Texto original de Patricio M. Trujillo O.

Está prohibida la reproducción total o parcial del texto sin la autorización escrita del autor.

O Móbile: Admiração

O Móbile: Admiração, Drama - Romance, 2008, 25 minutos, Brasil.

Con Nadja Dulci, Stefane Ribeiro.

Direção: Lilian Werneck.

O Móbile: Admiração é um curta metragem muito interessante, inspirado em um grande filme alemão de 1972: As Lágrimas de Petra von Kant.

A fotografia de O Móbile: Admiração é boa; suas personagens são dramaticamente complexas e interessantes; a história surpreende pela delicadeza e o bom gosto para narrar um drama de amor que vai além do amor: o drama de ter que fazer uma escolha porque, como toda as escolhas, essas não são fáceis.

O Móbile: Admiração é uma história de duas mulheres que se admiram sem se conhecer e que o destino, num momento importantíssimo na vida profissional delas, as leva a um encontro tão profundo de paixão e amor, que custa entender o sacrifício que elas terão que fazer.

Nina Maya e Bárbara Oliveira são as duas personagens desta história.

Nina é uma atriz de teatro que se encontra ensaiando, para representar numa peça, o papel de Petra, uma mulher complexa que ama a Karina. Esta representação não é fácil para Nina, pois segundo suas palavras, quando ela pensa em estar com uma mulher tem medo de ser feliz e de viver um grande amor. Porém, o diretor lhe desafia a vencer esse medo, pois está convencido que Nina pode representar muito bem Petra.

Os ensaios para Nina estão sendo difíceis e se sente travada, apesar de que procura inspiração nos quadros de uma artista que admira muito, mas não a conhece: Bárbara Oliveira.

Enquanto isso, Bárbara Oliveira está no seu melhor momento de criatividade. Segundo Catarina, sua agente e sua ex-namorada, ela nunca pintou tanto e tão bem desde que tem um mural de inspiração no seu atelier: umas fotos da atriz Nina Maya. Catarina, inclusive, acha que Bárbara está apaixonada pela atriz.

Estas duas personagens são apresentadas no começo do filme de uma forma muito singular. Primeiro está Nina que está ensaiando com dificuldade. Prevalecem os primeiros planos da atriz e, por um instante, a foto de uma pintura - logo saberemos que essa pintura é de Bárbara - no meio do texto que ela está tentando decorar com problemas. As imagens são rápidas, movimentadas e conseguem mostrar a dificuldades de Nina para ser Petra.

Como se fosse uma linha paralela, as imagens de Nina são intercaladas com as de Bárbara que está no seu atelier pintando. Os movimentos da artista plástica são rápidos e a câmera mostra as diferentes etapas na produção da obra. São movimentos fortes, com paixão, um atrás de outro e, como na cena de Nina, prevalece também primeiríssimos planos do rosto da artista até que numa extrema velocidade as imagens se misturam e estamos novamente no ensaio de Nina.

Esta conjugação de fotografia representa a união idílica entre as duas mulheres que se admiram, mas não se conhecem. No entanto, logo elas terão a oportunidade que tanto desejam. Nina entra na exposição de Bárbara e, depois de admirar por algum tempo o quadro do que gosta tanto, finalmente conhece a artística plástica. Frente a frente, Nina e Bárbara se admiram e praticamente o mundo desaparece para elas: nesse novo mundo só existem as duas mulheres: Nina e Bárbara, e Bárbara e Nina.Isso é conseguido de uma forma bela através dos primeiros planos de seus olhos e seus rostos.

Nina e Bárbara na exposição

Quando Nina mostra a Bárbara a fotografia da pintura dela, as suas mãos se tocam e seus dedos vão se separando devagar; sorriem nervosamente até que Bárbara se aproxima e fala alguma coisa no ouvido de Nina. A imagem se escurece e logo ambas estão juntas, numa discoteca, dançando. Elas estão somente para elas e as imagens novamente mostram seus rostos, suas mãos, suas bocas, seus beijos ao ritmo da música da discoteca. Logo aparecem num quarto, se acariciando. Os movimentos são rápidos numa coreografia sincronizada de seus corpos vistos de perfil, em cor escura e fundo azul.

 A admiração cedeu passo ao amor. Nina e Bárbara declaram o sua paixão, se amam mutuamente e desfrutam cada momento da vida delas. Há uma série de imagens da vida cotidiana que mostra as duas namoradas compartilhando cada momento da vida: desde escovar os dentes juntas até estarem lendo um livro. Nina e Bárbara declaram seu amor e a câmera se concentra nas mãos delas que se acariciam enquanto a cena escurece.

É comum que nas histórias de amor logo da paixão haja um momento de esfriamento e tudo volta ao normal. Os filmes tentam mostrar geralmente que as pessoas voltam a seu ritmo natural e começam aparecer os problemas de casal. Porém, O Móbile: Admiração consegue fugir desta solução tão simplista que é característico de muitos filmes, porque Nina e Bárbara são duas pessoas que continuam se amando e a paixão não para de crescer; mas, o problema é outro. Até que o ponto o amor interfere na vida profissional de cada uma delas?

Nina ainda não consegue representar Petra. Ela é tão feliz amando Bárbara que esta alegria é como uma enchente que sai de seu corpo sem nenhum tipo de ataduras. Definitivamente já não tem medo de amar e de ser feliz, só que isto é oposto do que representa Petra, a sua personagem que precisa mostrar sofrimento. Nina, paradoxalmente, agora que está apaixonada e feliz tem mais dificuldade em representar a sua personagem que no começo da história.

Por sua vez, Bárbara também tem dificuldades com seu trabalho. Depois que começou seu relacionamento com Nina, não consegue mais pintar com a mesma paixão e as suas ideias simplesmente foram embora. Contrastando com o começo do filme, a diretora mostra Bárbara no seu atelier trabalhando devagar. A câmera não tem mais a velocidade do começo do filme. A inspiração de Bárbara parece ter ido embora e ela acaba jogando tinta no seu “mural” de Nina: esse mural que no começo da história era sua inspiração.

O que tem que fazer as duas mulheres? Bárbara está triste e lembra o começo do seu relacionamento com Nina, mas pensa que não necessita de mais nada. Ela ama Nina e com isso está satisfeita e acha que pode continuar a vida assim.

Porém, Nina acha que o problema delas é que se amam demais e isso está prejudicando o trabalho delas e toma uma difícil decisão.

O Móbile: Admiração apresenta uma história de amor complexa entre duas pessoas que encontram o que mais querem: o amor da outra pessoa; mas nem sempre é possível ter esse amor quando a pessoa tem uma aspiração tão profunda que vai mais além desse relacionamento.

Nina e Bárbara são duas personagens bem construídas e um grande mérito que deve ser destacado do filme é que estas duas mulheres lésbicas são apresentadas pelo que são como mulheres e como profissionais, e não pela sua sexualidade. São duas mulheres que procuram o amor e a realização de seu lado profissional ao mesmo tempo, algo que nem sempre é fácil de acontecer. O fato de elas serem lésbicas não entra em jogo: elas são mulheres que amam mulheres, e não há problema nenhum nisso. Não há esses terríveis preconceitos que sufocam a nossa sociedade nem os estereótipos com os quais lamentavelmente as lésbicas são apresentadas, inclusive em filmes.

Para finalizar, O Móbile: Admiração foi colocado pela sua diretora na internet para que todos possam assistir ou baixar. Grande iniciativa que ajuda a divulgar belas produções destinadas a pessoas de todas as idades e condições e que gostam de um bom filme.

Texto original de Patricio M. Trujillo O.

Está prohibida la reproduccion total o parcial del texto.

Rabia

Rabia. Drama, 2008. Colombia-España, 95 minutos.

Con Martina García, Gustavo Sánchez Parra, Concha Velasco.

Dirección de Sebastián Cordero y fotografía de Enrique Chediak.

“Cuando tú te hayas ido, me envolverán las sombras; cuando tú  te hayas ido...”

Así empieza la canción-tema de la película Rabia, una canción que desde el principio anuncia la angustia que puede envolver al ser humano cuando este pierde el rumbo de la vida, cuando la esperanza se le escapa de las manos, cuando el amor cuelga de un hilo fino y delicado que puede romperse a cualquier hora; sin embargo, la película  sorprende porque, en medio de la rabia que puede dominar al ser humano, aún hay una ilusión por vivir.

José María y Rosa son dos inmigrantes latinoamericanos que viven en España. Rosa, de origen colombiano, tiene los documentos legales y trabaja como empleada doméstica; mientras tanto, José María es un inmigrante ilegal que trabaja como albañil.

Aunque ambos son enamorados y la historia de amor de la pareja parece ser parte central de la película, el punto de partida y que guía Rabia es la situación de José María: un inmigrante ilegal que no consigue soportar la humillación, el racismo, el desprecio.

José María y Rosa: más que una historia de amor

Durante los primeros minutos, la película se centra en este tema (sin dejar de lado la fuerte relación de la pareja) a través de dos momentos claves. El primero es cuando José María está trabajando en una construcción; el capataz se le acerca y le llama la atención porque está distraído, y parte del discurso de éste es: “Aquí se viene a trabajar; no estás en tu país”.

Esta frase es importante porque despierta en José María la rabia que, a lo largo de la película, le irá dominando hasta las últimas consecuencias.

El segundo momento de esta situación social conflictiva es cuando unos mecánicos hacen comentarios desagradables de Rosa. A José María no le gusta lo que dicen y les da una paliza; al día siguiente, en el trabajo, el capataz vuelve a insultarlo por haber defendido “a la colombianita a la que todos quieren follarla”. El capataz, entonces, le suelta en la cara lo que mucha gente piensa de verdad de los inmigrantes: “Aquí no vales una mierda. Lo último que quieres en tu situación es llamar la atención de la policía”.

Esta arrogancia de los que se creen superiores a los demás y con derecho de humillar a las personas por sus condiciones laborales y raciales se ejemplifica mejor en el diálogo entre José María y el capataz. José María le dice: “¿Qué dijiste de mi novia?”. El capataz le responde: “Encima me tuteas. No estás en tu pueblo”.

José María

Esta discusión hace que José María pierda el trabajo y posteriormente, dominado por el odio, le mate de un puñetazo al capataz; cometido el crimen, él huye de la policía y busca un refugio donde nadie pueda encontrarlo y, al mismo tiempo, desde donde pueda saber lo que le sucede a Rosa.

Pero antes de llegar a esta situación agónica con la que tienen que enfrentarse, José María y Rosa viven su pequeño idilio de amor. Ambos aprovechan que los patrones de Rosa están de viaje para estar juntos en la casa de ellos y escuchar la música del disco pirata que compraron en la calle. La canción es “Sombras” interpretada por el ecuatoriano Julio Jaramillo y, conforme la música avanza, la imagen se oscurece hasta mostrar a ambos en la cama, juntos, rodeados de sombras, la misma sombra que les perseguirá hasta el fin.

La fotografía de esta escena es hermosa y una característica de la película Rabia. El fotógrafo Enrique Chediak hace un trabajo extraordinario con el lente y sus imágenes son palabras y diálogos de altísimo nivel. Otro momento muy bueno de fotografía es cuando Rosa se sienta en las escaleras de la casa de la familia Torres, sus patrones, a hablar por teléfono con su novio (que ya está prófugo). El movimiento de la cámara por sí solo expresa las sensaciones y angustias que rodean a la muchacha.

Rosa es una muchacha que aparenta fragilidad debido a su timidez, pero es fuerte y soporta el dolor y los problemas. Tal vez sea por su carácter o porque la vida del inmigrante que abandona su país para intentar buscar algo mejor no es fácil y, muchas veces, acaba conformándose con trabajos donde son denigrados. El caso de Rosa es así. Trabaja en la casa de la familia Torres; una familia desestructurada emocionalmente y donde solo la patrona tendrá la sensibilidad de comprenderla, de ayudarla y de tratarla como gente. El patrón nunca le dirige la palabra y su esposa le llama la atención al respecto cuando le dice: “deja de hablar de ella (Rosa) como si fuera invisible”.

Rosa e sus patrones

El hijo de la patrona, Álvaro, que no se lleva bien con su padre por problemas económicos y que es mimado por su madre, intenta seducir a Rosa besándola a la fuerza y, más adelante, violándola.

Rosa soporta todo. Su situación es difícil. Está embarazada y el padre de su hijo, José María, está escondido en algún lugar. Ella no tiene a dónde ir. Rosa es la antítesis de José María porque éste, a pesar de no tener nada, no duda –aunque sea de la forma equivocada- en recuperar su dignidad como ser humano. Mas, como es lógico, al hacerlo de una forma errada, pierde todo, incluso esa dignidad que tanto la busca.

José María se esconde en la casa de la familia Torres sin que nadie se entere. Ni siquiera Rosa. La casa es grande y el tercer piso está abandonado. Cuartos viejos, sucios, donde se amontonan muebles antiguos, en mal estado y todo está cubierto de telas de arañas y donde los ratones se sienten a gusto. La situación de la casa es simbólica y muestra el estado real y emocional de la familia Torres que solo podrá levantarse –lo entendemos así después de haber visto toda la película- con la presencia de Rosa y su bebé.

La lucha por la sobrevivencia

Mientras la policía busca a José María y Rosa se entristece porque no tiene noticias de él, éste permanece escondido, con hambre y frío, haciendo todo sigilosamente para que no lo descubran, ni siquiera Rosa. Las escenas que muestran esta situación de José María son fuertes pero no llegan a ser sensacionalistas ni exageradas. Se percibe el cuidado que tuvo el director para mostrar una situación lo más real posible, pero sin caer en la mera sensibilidad o en lo grotesco, intentando capturar con la cámara el dolor del silencio, la soledad, el abandono.

De los momentos más difíciles por lo que pasa José María, los peores son cuando la familia Torres sale de la casa que permanece cerrada una semana para fumigar. José María no tiene cómo escapar y durante siente días lucha entre la vida y la muerte por sobrevivir en un ambiente de angustia. Son escenas fuertes en la que se ve a un hombre desesperado que ha perdido su destino, que no sabe dónde hay un camino por el que pueda ir.

El trabajo de la fotografía de la casa es algo maravilloso y merece elogios. El movimiento de la cámara es muy significativo cuando acompaña los corredores, las paredes, los cuadros de la casa. La cámara se convierte en los ojos de los personajes, principalmente de Rosa y José María. La primera vez que tenemos esa sensación es cuando José María le llama por teléfono a Rosa y ella va a contestarlo.

Y ya que hablamos de la fotografía de la casa, a lo largo de la película hay muchos primeros planos de ésta, principalmente cuando todos se han ido y el silencio y las sombras están por sus corredores. Como dijimos al principio, el título de la canción es simbólico a lo largo de la obra.

José María pasa a comunicarse con Rosa a través del teléfono. Él descubre que en la casa hay dos líneas telefónicas y siempre que le es posible, se esconde en la habitación donde está una de las líneas telefónicas para llamarle a Rosa. Es así que él confirma por teléfono todo aquello que ve en la casa, escondido en las sombras, contrastando con los colores del hogar. Durantes las conversaciones vale la pena destacar dos hechos: los personajes se aman pero no se conocen. Rosa le dice a José María que se dio cuenta que no sabía nada de él cuando la policía le interrogó; pero José María quiere su amor y le ofrece el suyo, aunque lo único que le puede ofrecer es una especie de esperanza.

El otro hecho de destaque es la fotografía de los rostros de José María y Rosa durante estas conversaciones: los primeros planos de los protagonistas son tan fundamentales como sus palabras.

A medida que pasan las semanas, la situación de José María empeora. No hay forma de escapar y el odio lo va consumiendo hasta que llega a cometer su segundo crimen: asesina a sangre a fría a Álvaro, asfixiándolo, como venganza por haber violado a Rosa.

José María definitivamente se queda solo. Dominado por los celos y por el odio, con el segundo asesinato pierde su lugar en la sociedad. Ya no encuentra forma de escapar de las sombra que le rodean y va debilitándose, hasta que sus fuerzas se terminan.

Sin embargo, Rosa no lo olvida y decide que su hijo se llamará como su padre y tiene la oportunidad de darle un futuro gracias al apoyo que recibe de su patrona.

Para finalizar, vale mencionar dos tomas magníficas de fotografía. La primera es cuando Rosa está en la playa, acariciando su barriga. La cámara se le acerca lentamente y luego se aleja, como si fuera la espuma del mar. Es una escena linda y contrasta con la situación oscura que vive José María abandonado en el último piso de la casa de los Torres.

La otra escena fotográfica que vale destaque es cuando José María tiene a su hijos en sus brazos y está en el suelo, falleciendo. Mientras se escucha “Cuando tú te hayas ido...”, Rosa se recuesta encima de los dos y la cámara, en un movimiento bello y lento, empieza a caminar por las paredes, los corredores, los cuadros, las escaleras, los objetos, todo en un primer plano, hasta salir de la casa y detenerse en un plano general frente a esa misma casa, mostrando el último piso, donde José María, impotente, tuvo que ver morir sus sueños como hombre, como ciudadano, como padre, como amante.

 ¿Hasta qué punto un ser humano puede soportar el silencio, la soledad, la ilusión y la esperanza? Y un inmigrante ilegal que busca desesperadamente un destino para su vida, ¿a dónde puede llegar cuando pierde el control de su vida?

Rabia es un drama de suspense psicológico de excelente calidad dirigido por el cineasta ecuatoriano Sebastián Cordero, que presenta estos interrogantes a través de personajes bien caracterizados, coherentes. La película pertenece justo a la época en que España vivió la fiebre de los inmigrantes ilegales, principalmente los ecuatorianos, que fueron a trabajar como obra barata para hacer todo aquello que los españoles no querían hacer, aprovechando que vivían un período de bonanza económica. Sin embargo, Cordero no nos ofrece una película "social" en la que haya un discurso sobre el racismo y los imigrantes; aunque estos temas aparecen en Rabia, la película es más un retrato sobre la degradación del ser humana y la poca o mucha esperanza en la vida.

Rabia ganó en el Festival de Cine de Málaga de 2010 el premio a la mejor película (Biznaga de oro), al mejor actor de reparto (Biznaga de plata) y a la mejor fotografía (Biznaga de plata); ganó también el premio especial del Festival de Cine de Tokio.

Texto original de Patricio M. Trujillo O.


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