Rosebud

Rosebud. Romance, 14 minutos, 1991, Reino Unido.

Con: Julie Graham, Jessica Alams, Rachel Grimstedad, Sadie Lee.

Dirección: Cheryl Farthing.

Rosebud (Capullo de Rosa si lo tradujéramos literalmente al español) es un bellísimo cortometraje que narra el momento en que una mujer que, al final de un proceso, se siente realizada al descubrir y aceptar su sexualidad.

No obstante, ¿cuántas películas ya se han hecho sobre este tema?

Terminaremos el presente texto respondiendo a esta pregunta que explica la importancia histórica y cultural de este filme que, por otro lado, es un conjunto de bellas imágenes fotográficas.

La historia de Rosebud es narrada a través de la conjugación de imágenes de dos personajes que se cruzan sin conocerse. Por un lado, hay una pareja formada por dos mujeres; y, por otro lado, está una joven artista que se cuestiona sobre su sexualidad. La pareja, sin saber, ayuda a que la artista venza su miedo y sea lo que ella es. Este proceso se da a través de la mezcla de las “danzas de amor” de la pareja de lesbianas con los sueños y las pinturas de la artista, haciendo de esta forma una película de amor, de descubrimiento, de sensualidad, de fantasía y de realización personal.

Y Cheryl Farthing consigue hacerlo en una historia sin diálogos porque las palabras no hacen falta por la precisión de la imagen y de la música.

Podemos, entonces, decir que Rosebud es una danza de amor en el sentido literal y figurado.

Rosebud: la pareja

En el sentido literal, la película empieza en una discoteca. El ambiente es oscuro y las personas y parejas que están en Rosebud bailan al ritmo de Beautiful Eyes de Rita Lynch, el tema leimotiv de la película. Después de una tomada general de la discoteca, la cámara se fija en una pareja de dos mujeres que bailan abrazadas, sonriendo, felices, en una intimidad total a pesar de que están en un local público. Una de ellas usa un vestido de novia.

En el sentido figurado, esta “danza de amor” se da en tres momentos especiales que no los vamos a describir uno después del otro sino conforme analicemos la evolución del personaje principal: la artista.

Esta joven, con un rostro cerrado e inexpresivo en un primer momento, acaba de mudarse de departamento y en las primeras escenas se la ve arreglando sus objetos personales y pintando las paredes. En uno de estos momentos, ella ve, desde la ventana, a la pareja de mujeres que caminan abrazadas. Esta imagen parece perturbarla y tanto es así que, después de haber pintando las paredes del departamento, se mete en la bañera y cuando sumerge el rostro en el agua hay una visión que parece ser un recuerdo que la perturba.

Rosebud: la artista

Y ese recuerdo es otra “danza de amor”: hay dos mujeres que están dentro de una piscina, nadando juntas. Sus movimientos son rápidos, sincronizados y sensuales: una de ellas está desnuda y la otra utiliza solamente un pantalón. Cuando una de las muchachas sale de la piscina, la artista saca la cabeza de la bañera y parece sufrir. Este recuerdo, que tal vez haya querido olvidarlo, no surgió gratuitamente.

Momentos antes, ella presencia una “danza de amor” íntima y tan profunda que le hace sufrir.

Ella sube con tranquilidad las escaleras hacia la terraza del edificio con un cuaderno de dibujo; sin embargo, al llegar a la terraza, ve, sin ser observada, que la pareja de lesbianas, mientras oyen música, están en una intensa relación íntima de sexo y amor. La artista parece chocada y se apoya en un muro para mantener su equilibrio. Antes de eso, el espectador ve los movimientos sutiles y de pasión de las dos mujeres que se aman libremente al ritmo de la canción Beautiful Eyes de Rita Lynch. Es una escena sensualísima y al final la artista vive su momento ambivalente: ella se apoya y se esconde en la pared, pero gira la cabeza para ver una vez más a la pareja que se ama sin saber que alguien las está observando.

La pareja

La artista y el sufrimiento

La artista y la ambivalencia

La artista debe dar un paso, ya que todo indica que la presencia de la pareja lesbiana en su edificio le desafía a hacer algo. Y la pintura es el medio por el cual empieza a ser ella misma.

Los dibujos de la artista

La cámara hace primero un recorrido por los dibujos, pinturas y esbozos que están en su habitación; más tarde, cuando la artista está pensativa mientras hace el esbozo de tres mujeres que parecen ángeles, de las cuales una se aproxima a otra como queriendo besarla, el lente se acerca a la pintura y en primerísimo plano muestra los detalles del dibujo para enseguida presenciar una segunda escena sensual, pero onírica.

Hay dos mujeres ángeles, semidesnudas, que están en el cielo besándose con pasión en una bella escena de amor o, como hemos estado llamando, en una “danza de amor”; y, mientras las ángeles se besan, la cámara muestra los ojos de la artista en primer plano. Ella está meditando y al cerrar los ojos, se imagina haciendo sexo con un hombre; sin embargo, al desviar la mirada, el hombre se ha transformado en una mujer acostada en un campo alfombrado de colores: colores alegres y saturados.

Las ángeles

La artista y el sueño

Finalmente la artista se siente bien y por primera vez su rostro muestra emociones positivas y, al estar pintando el cuadro con las ángeles, en su imaginación ella es una de ellas y volverá a soñar con la mujer con la que estaba haciendo amor en sus sueños: finalmente ella consigue salir de casa, con el rostro en alto, serena, con una sonrisa en los labios y es capaz de ver a las mujeres en la calle directamente a los ojos, sin miedo, al ritmo de una música más animada que la que le ha acompañado hasta ese momento.

Rosebud: felicidad

Rosebud: el descubrimiento

Rosebud: la aceptación

Rosebud: el encuentro

Sus pasos, sus movimientos son una danza de felicidad que terminarán en la discoteca Rosebund donde finalmente podrá conversar con la pareja de lesbianas y encontrar su propia pareja, nuevamente al ritmo de Beautiful Eyes de Rita Lynch.

Rosebud es un cortometraje poético que rompe el estereotipo con el que se representaba a las mujeres lesbianas en las películas, salvo pequeñas excepciones, como es el caso de Desert Hearts (1985) donde hay, de verdad, una relación de amor correspondida y positiva entre dos mujeres. Hasta esa época y mucho tiempo después, aún se continuó representando a las lesbianas en las películas como personajes conflictivos, con todo tipo de dramas: alcohol, drogas, abandono, desesperación, soledad, mujeres mal amadas, suicidas, neuróticas, etc.

Rosebud

Rosebud: una danza de amor

Rosebud es un cortometraje que dio un paso importantísimo al mostrar que una mujer lesbiana es, ante todo, una mujer. Y puede ser feliz, realizarse, vivir la vida intensamente como cualquier otra persona.

Texto original de Patricio Miguel Trujillo Ortega.

Prohibida su reproducción total o parcial de cualquier forma o por cualquier medio sin la autorización escrita del autor.

Még kér a nép - Salmo Vermelho

Még kér a nép – Salmo Vermelho, Drama – Guerra – Musical, 87 minutos, 1972, Hungria.

Direção: Miklós Jancsó.

Salmo Vermelho é uma belíssima produção húngara de 1972 do cineasta Miklós Jancsó que, em 1972, ganhou o Festival de Cannes como melhor diretor e, em 1990, ganhou o Leão de Ouro do Festival de Veneza pelo conjunto de sua obra.

O filme Salmo Vermelho é uma obra na qual a música, a coreografia, as personagens e o movimento dinâmico da câmera se misturam criando uma produção fascinante cheia de símbolos, fazendo dela, talvez, umas das melhores longa-metragem “pro-socialismo”.

Quando falamos de “pro-socialismo”, a primeira ideia que temos é que pode se tratar de um filme de “propaganda” política, algo comum não somente no cinema, mas também em outras artes; porém, as obras de “propaganda política” não sobrevivem ao tempo porque, na maioria das vezes, são sacrificadas em sua produção para “vender” uma ideologia.

Mas este não é o caso de Salmo Vermelho, porque o movimento da câmera, junto com a coreografia e o próprio espaço-tempo da ação, fazem deste filme uma “obra poética” impactante, seja qual for a ideologia do espectador.

Salmo Vermelho

Salmo Vermelho: uma obra poética

Salmo Vermelho é uma alegoria dos ideais socialistas de construir uma sociedade justa e do enfrentamento do proletariado com as forças do poder, representados no filme pelos militares, pela igreja e pela burguesia ou nobreza.

Para entender melhor o filme, vamos analisar algumas cenas do ponto de vista da câmera, das personagens, das músicas, da história narrada, do espaço-tempo e da crítica política, mas tudo através da linguagem cinematográfica que fez deste filme um dos melhores de Miklós Jancsó.

Os quatros primeiros elementos que chamam a atenção em Salmo Vermelho são: o tempo, o espaço, as personagens e os movimentos da câmera.

O diretor opta por construir a história através de vários blocos de planos sequenciais longuíssimos, nos quais a câmera está sempre em movimento, procurando as personagens conforme estas vão construindo a história, até o momento em que desaparecem e dão lugar a outras personagens. É um processo cíclico, dinâmico e sincronizado com cantos, hinos e danças.

Salmo Vermelho: a queima dos alimentos

Hinos e danças

Por outro lado, as personagens não têm nome. Elas são conhecidas e reconhecidas por seus rostos e suas ações; há, inclusive, algumas personagens que depois de morrer, levantam-se e voltam a andar.

A história transcorre em um cenário único: um campo, onde um grupo de camponeses reivindica seus direitos pela posse da terra, da justiça, da igualdade, da liberdade. Aparentemente, o cenário não oferece nada de especial; mas a coreografia dos atores dá vida a esse lugar vazio.

Sabemos que a história do filme acontece em 1898, já que essa data é mencionada apenas uma vez, no minuto 25; porém, é interessante reconhecer que o diretor optou por um vestiário ambivalente que pode ser de1898 ou qualquer outra época mais presente (para a data da realização do filme) tanto na roupa dos camponeses quanto na dos soldados, fazendo assim uma história atemporal.

Pode-se resumir a história do filme em poucas linhas: um grupo de camponeses querem justiça social e, por acreditarem nos ideais socialistas, não retrocedem frente ao poder dos nobres, dos militares e dos religiosos que desejam que a sociedade continue nos modelos tradicionais (leia-se, a terra e a riqueza para poucos: os amos e senhores da nação). O confronto é permanente e depois de que os camponeses são massacrados pelos militares e humilhados pela igreja, ainda têm o poder de iniciar a revolução socialista, eliminando os seus inimigos assassinos.

Salmo Vermelho é um filme lírico

Embora as relações das personagens sejam tensas, Salmo Vermelho é um filme lírico graças a sua narrativa de cantos e danças, e os movimentos dos atores estão sincronizados com esse recurso; por um lado, há um grupo de músicos que com seus instrumentos tradicionais tocam constantemente músicas regionais alegres e marchas socialistas; por outro lado, as personagens se movem em círculos e a câmera acompanha os seus movimentos como se fosse um balé; além disso, os camponeses estão o tempo todo juntos, abraçados, apoiando-se, agrupando-se quando necessário e espalhando-se pelo campo quando é imperativo, mas sempre formam uma unidade. É a simbologia do poder da união para estar preparado para o confronto.

Os camponeses não se intimidam frente ao soldados

Como falamos anteriormente, as relações das personagens são tensas desde o primeiro minuto: um grupo de camponeses está sentado no chão e, ao redor deles, há um grupo de soldados montados em cavalos que se movem constantemente, em círculos. A imagem dos camponeses é mostrada em close-up e o movimento dos soldados que atravessam a imagem dá a sensação de angústia, de opressão. Esse movimento de soldados a cavalos ocorrerá na maior parte do filme.

Salmo Vermelho: Todos Juntos; Sempre Juntos

No grupo de camponeses há dois líderes: um homem e uma mulher que estão o tempo todo lembrando aos demais os preceitos do socialismo, incluindo a leitura de textos de Friedrich Engels. A mulher, principalmente, procura manter o grupo unido e pede que todos estejam juntos.

Desde o primeiro instante há o confronto de camponeses e autoridades, primeiro com o “intendente” que tenta fazer com que os camponeses acatem as suas decisões e logo com os soldados. Enquanto as autoridades tentam se impor, os camponeses se apoiam com cantos e danças, seja com alegres músicas tradicionais ou com canções ideológicas, como a primeira a ser cantada que fala assim: “Amigos, cantemos todos juntos o triste e sagrado canto do trabalho. Só os ricos têm pátria. Os vales e os campos lhes pertencem...”.

Em resposta à “rebeldia” dos camponeses, o “intendente” queima os alimentos destes e as mulheres desafiam os soldados chamando-lhes de covardes ao mesmo tempo em que os exortam para que se juntem à causa dos camponeses.

Um elemento constante em Salmo Vermelho é a utilização de elementos da igreja para mostrar como esta instituição é solidária com a nobreza para manter o “status quo”: o enriquecimento de uns e a miséria de outros. A crítica a esta instituição é feita também com preces, ações e com simbologias cristãs nessa luta dos camponeses socialistas contra o poder representado pelos soldados, autoridades, religiosos, nobres, burgueses.

Há um par de cenas que ajudam a ilustrar o que estamos falando.

No minuto onze, os camponeses fazem um juramento ao ritmo de uma música tradicional alegre, como provocação a um grupo de soldados que chegam ao local atirando para o alto. O juramento dize: “Nós, socialistas, juramos por Deus que cada um de nossos atos servirá fielmente aos Seus. Que nunca cobiçaremos os bens do camarada. Que estaremos dispostos a morrer por nossos camaradas, nossos irmãos. E que Deus venha nos ajudar”.

No minuto trinta e três, há um close-up de estandartes religiosos e uma mesa cheia de comida: uvas, ovos, tomates, etc., até que a mulher líder, identificada sempre com sua roupa azul, pega um pão grande e o levanta devagar. Ela caminha com o pão e a câmera, em close-up, acompanha os passos da mulher. É uma cerimônia religiosa de comunhão até que aparece um padre e fala para os camponeses: “Eis aqui o pão pelo qual pecam ao se rebelarem; mas quando a noite chegar, o terror cairá sobre eles. E tremerão diante da cólera de Deus”.

Salmo Vermelho

Mas os camponeses não se intimidam com as “profecias divinas e celestiais dos representantes de Deus” e obrigam ao padre a entrar na igreja enquanto ele discursa contra as ideias socialistas. A última frase do padre antes de entrar na igreja, que logo será incendiada pelos camponeses é: “Quem está nu odeia a quem está vestido”. Logo, a imagem, em um plano de conjunto, mostra um grupo de mulheres, lideradas pela mulher líder, rezando: “Da orfandade, nos salve, Senhor. Da viuvez, nos salve, Senhor. Da emigração, nos salve, Senhor. De comer beterraba podre, nos salve, Senhor. Das couves sem carne, nos salve, Senhor. Da fome, nos salve, Senhor. Das jornadas trabalhistas de dezesseis horas, nos salve, Senhor. Das botas furadas, dos fardos carregados em nossas costas.... nos salve, Senhor”.

"E tremerão diante da cólera de Deus". A ameaça do poder religioso

Salmo Vermelho: Igreja e Militares: uma mesma instituição

Salmo Vermelho faz uma crítica à posição política da igreja tradicional, e há duas cenas especiais, pela força que elas têm que mostram isso. No minuto sessenta e sete, depois que os camponeses foram derrotados pela força das armas, um padre, com batina e chapéu militar, celebra a vitória e toma o juramento dos camponeses derrotados, que são obrigados a repetir as palavras: “Juro por Deus que me arrependo do meu juramento socialista e o considero nulo. Comprometo-me a não participar de nenhum movimento dirigido contra a lei e a ordem, e a me manter tranquilo. Se alguém, quem for, tentar violar este juramente, eu o denunciarei à justiça. Juro diante de Deus”. Momentos depois haverá uma grande matança, sem tiros, e só se verá roupas manchadas de sangue, armas e corpos.

Para finalizar as referências à igreja, há uma cena muito simbólica que choca e que é uma provocação. Um homem velho se sacrifica pelos camponeses e comete suicídio. Na cerimônia de seu enterro, os camponeses rezam o “pai nosso”: “Nosso Pai, acima sentado, que seu nome seja santificado porque se preocupa com seu povo. Socialismo, venha a nós o seu reino, aqui no mundo inteiro. Povo, faça a sua vontade e que pela redução dos impostos, nossa existência seja mais suportável. Povo, livra-nos dos opressores dos direitos humanos e não perdoe as ofensas de nossos tiranos porque merecem seu castigo, afogando o direito e a igualdade. Dinheiro, não nos deixa cair mais na tentação posto que por ti, muitos vendem-se, e se convertem em escravos de nossos opressores..”.

Para finalizar a cerimônia, os camponeses jogam na terra sementes enquanto um grupo de jovens (crianças e adolescentes) dançam uma música tradicional muito alegre.

Deixamos para o final três cenas que são a marca registrada de Salmo Vermelho pela beleza da sua realização, seja qual for a ideologia do espectador.

A primeira cena é a das jovens nuas.

Salmo Vermelho

Um oficial entrega a um cadete um revólver, insinuando assim que deve matar os camponeses. Mas o cadete duvida e não sabe o que fazer; então, a câmera, com movimentos lentos, acompanha os passos do cadete e dos camponeses que esperam a decisão do militar. Essa indecisão é alternada com cantos “pro-socialismo” e danças alegres. Enquanto o cadete duvida, um grupo de mulheres, guiadas pela líder, se aproximam aos soldados e os provocam mostrando para eles seus seios enquanto a líder fala: “Com tantos patrões não há liberdade. Com muitos ricos, muitos mais pobres. Com tanto luxo, muita ociosidade. Com tanto passado pobre é o presente. Com muita ignorância, muitos mais tiranos”.

Salmo Vermelho

Logo, três mulheres do grupo ficam nuas e se distanciam do grupo. Os soldados correm gritando, mas as três mulheres se protegem em um abraço e imediatamente os soldados se afastam. As três mulheres permaneceram a maior parte do filme nuas ou utilizando apenas uma saia branca, mas com os seios sempre à mostra.

A atitude das mulheres é das mais puras. Elas celebram com uma dança de alegria e de desafio o fato de que elas sabem o que querem.

Salmo Vermelho

A segunda cena, cujo comentário é necessário, é muito bela devido a sua coreografia e é carregada, mais uma vez, de simbolismo –seja qual for a ideologia do espectador-. O cadete caminha com um revólver sem saber o que fazer. Os soldados a cavalo continuam dando voltas em círculos e o ambiente é tenso; por um momento há um silêncio absoluto e o cadete joga a arma no chão; outro oficial se aproxima, recolhe a arma e a entrega para outro soldado que, sem pensar duas vezes, pega a arma e atira nas pessoas.

O Cadete e suas dúvidas

O tiro

A força

O beijo no cadete assassinado

Aparece, então, uma das mulheres seminuas com as mãos levantadas e a mão direita sangrando. Ela caminha devagar frente aos seus colegas; logo, o militar atira no cadete que não teve coragem de atirar nos camponeses. O cadete cai morto e uma mulher do grupo de camponeses aproxima-se do soldado morto e beija-o na testa. Imediatamente o soldado se levanta e aparece outra vez, em close-up, a mulher ferida na mão, só que no lugar do sangue há uma espécie de flor vermelha de papel. Ela levanta a mão e se aproxima do grupo de camponeses que se unem em uma dança de mãos dadas com outras mulheres que se juntam a um grupo de homens, dançando todos uma música tradicional alegre. A partir desse momento, os homens levam no peito uma flor vermelha como símbolo do sangue, dos ideais socialistas e da luta.

Para finalizar o comentário, não podemos deixar de descrever a cena mais impactante do filme: a matança final de todos os camponeses.

As imagens que prevalece em Salmo Vermelho estão em close-up, porém esta cena longa é um plano geral, com a câmera estática, o que causa um efeito surpreendente.

A matança

A cena começa dando a impressão de que há uma solução do problema quando um soldado reconhece seu erro. Ele fala para os camponeses: “Confesso que por covardia, por cobiça, devido a promessas enganosas, obedeci cegamente aos opressores do povo...” e imediatamente ele se integra aos camponeses. Logo na distância vemos um grupo de camponeses que dançam alegres enquanto os soldados estão ao redor deles, em fila. Por um momento, os soldados se integram à festa dançando todos juntos; porém, momentos depois voltam a suas posições originais e fecham um círculo, deixando no meio os camponeses para, imediatamente, atirarem neles e matarem todos.

O triunfo

O espectador assiste à cena de longe. Sente-se impotente. Não se pode fazer mais nada e, mais ainda, quando minutos depois, os militares e a nobreza celebram o triunfo com uma taça na mão.

Porém, a história não acaba aí. Ainda há tempo para a celebração do triunfo final, mas não vamos entrar nesses detalhes para deixar a curiosidade no espectador.

A história não acaba aí....

Salmo Vermelho é sem dúvida nenhuma um dos grandes filmes de Miklós Jancsó. É uma obra poética onde se conjugam em um corpo único de linguagem cinematográfica a música, a dança e a fotografia, criando uma das obras mais belas do cinema húngaro.

Salmo Vermelho

Nota: As frases textuais dos cantos são das legendas em português da edição brasileira em DVD lançado  pela Lume.

Texto original de Patricio Miguel Trujillo Ortega.

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The Blues Brothers - Los Hermanos Caradura

The Blues Brothers – Los Hermanos Caradura, 1980, Comedia – Musical, 148 minutos USA.

Con: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Callodway, Ray Charles, Carrie Fisher, Aretha Frankliln, Henry Gibson, The Blues Brothers Band.

Dirección: John Landis.

The Blues Brothers es una comedia musical que cierra el ciclo de un tipo de comedias que tiene su auge en los años sesenta con películas como It’s a mad ,mad, mad, mad world (1963) (El Mundo se ha vuelto loco), Those Magnificent men in their flying machines (1965).

Como sus antecesoras, The Blues Brothers narra una historia alocada con una gran dosis de exageración aceptable (decimos “aceptable” para no confundir estas películas con las comedias absurdamente ridículamente exageradas que proliferan grotescamente en el cine desde los años noventa), con mucho humor y diferentes tipos de humor, con bastantes escenas de acción, con grandes artistas, en este caso, de la música –del blues, específicamente- y, finalmente, con un número gigantesco de extras.

Los hermanos Blues y el eterno Ray Charles

La historia de esta película, que tuvo una secuencia en el año 1998 sin tener el mismo éxito de la original, cuenta los incidentes en los que se meten dos hermanos, Jake y Elwood Blues, para conseguir, en menos de dos semanas, cinco mil dólares para pagar los impuestos del edificio donde funciona el orfanato donde ellos crecieron; caso contrario, el edificio será vendido ya que la iglesia que lo mantiene no tiene interés en conservarlo.

Conseguir esa cantidad de dinero no es fácil si se toma en cuenta que Jake acaba de salir de la cárcel; sin embargo, a los hermanos se les presenta una sola oportunidad para conseguirlo: volver a reunir a los integrantes de su antigua banda de blues y organizar un concierto. No obstante, hay dos inconvenientes: que los miembros del grupo quieran reunirse nuevamente y que acepten la propuesta, no siempre confiable, de Jack; y, por otro lado, es una época en la que el blues ya no es tan popular.

Los hermanos Blues y la Pingüino

Los hermanos Blues consideran que es una misión divina la que tienen por delante y, por eso, hacen de todo para conseguir el dinero de forma legal, aunque la primera idea de Jack fue conseguirlo de la forma que le resulta más fácil: robando; sin embargo, la “pingüino”, como él y su hermano le llama a la monja que dirige el orfanato, los expulsa de forma violenta de su despacho, decepcionada por la falta de escrúpulos de los hermanos. Entonces, ambos no tienen otra alternativa: deben conseguir el dinero de forma honesta.

A pesar de sus buenas intenciones, los hermanos Blues no consiguen olvidarse y dejar de lado sus costumbres “dudosas e inescrupulosas”; por tanto, cada acto que ellos hacen provoca una consecuencia y a lo largo de la película vemos cómo consiguen fácilmente ganarse enemigos y más enemigos que desean atraparlos, cueste lo que cueste.

Y es justamente en este ambiente ambiguo –el objetivo de los hermanos versus el objetivo de sus enemigos- que The Blues Brothers desarrolla al máximo el humor, con muchas escenas de pura acción y otras, en el mejor estilo flemático.

Los hermanos Blues

El humor, la ironía, el sarcasmo están presentes desde la primera escena de la película, cuando hay una imagen panorámica de la ciudad de Chicago. Pero es una Chicago fea, poco atractiva: la imagen aérea muestra la zona industrial de la ciudad cubierta de smoking. Se ven las fábricas con sus grandes chimeneas contaminando la ciudad. Luego, viene un contraste de colores: en una imagen aérea, se muestra una cárcel. Y parece hermosa si la comparamos con la primera imagen de Chicago. Se ven diferentes grupos de prisioneros, uniformados, caminando unos y haciendo ejercicios otros; también se ven las áreas verdes y bien cuidadas de la prisión.

The Blues Brothers, 1980: Primera escena de Chicago

The Blues Brothers, 1980: La cárcel

The Blues Brothers, 1980: El orfanato.

El contraste de las dos escenas es el inicio de la ironía que tiene su momento más importante cuando Jack sale de la cárcel y descubre que su hermano lo espero en un antiguo carro de patrulla que lo ha comprado en un remate de la policía. Es en este carro, que aún mantiene los colores originales que lo caracterizaban como patrullero, que los hermanos Blues vivirán su gran aventura, enfrentándose a la ira de la policía, principalmente.

Antes de hablar de los enemigos de los hermanos Jack y Elwood, hay que destacar dos elementos importantes que ayudan a contribuir el humor como una especie de equilibrio entre la velocidad de las acciones y la parquedad de los dos personajes a los que parece que nada los afecta.

El primer elemento es la ropa de los hermanos Blues. Durante toda la película ellos estarán con la misma vestimenta: traje negro, gafas de sol y sombrero. No se quitarán esta ropa un solo instante. Incluso ni para dormir en la única escena en que se lo ve descansando. Siempre están con la misma ropa. Una de las escenas que marca esta característica de los personajes es cuando el hotel en que se están hospedando es derribado. Ellos se levantarán de los escombras con la misma ropa y caminarán como si nada hubiera pasado.

Gafas oscuras, terno, sombrero: nunca pierden la compostura

Una sola vez aparece Jack sin gafas

En relación a las gafas de sol, en una sola oportunidad Jack se las quitará por un instante.

Esta característica física de ambos hermanos hay que comprenderla para entender el carácter de ellos: Jack y Elwood son genuinos y no les importa para nada lo que los otros piensen de ellos. Sus ideas les obsesionan. Son testarudos y no hay “normas” o “leyes” que les impida hacer lo que se han propuesto. A esto, hay que añadir la falta de expresividad de sus rostros. Parecen inmutables y, solo así es cómo se explica el hecho de que consigan lo que se han propuesto hacer.

El segundo elemento que hay que mencionar es “la revelación” divina que los hermanos Blues afirman tener. Apenas Jack sale de la prisión, ya hay una insinuación fotográfica de esta “revelación”: cuando se abre el portón para que Jack salga de la cárcel, la luz del sol lo ilumina por la espalda, creando una imagen onírica; este mismo efecto se repetirá en Jack cuando ambos hermanos entran a una iglesia para descubrir la “misión” que tienen que llevar a cabo.

Jack sale de la prisión

La revelación

Con canto, baile y coreografía Jack acepta "la revelación"

En su recorrido para juntar a los integrantes del grupo y conseguir el dinero, Jack y Elwood se enfrentan a cuatro grandes enemigos:

Primero, hay una mujer misteriosa que parece ser la exnovia de Jack, interpretada por Carrie Fisher. Es una mujer guapa que desea matar a Jack desde el primer instante. De ella no se sabe nada en las primeras escenas, a no ser su obsesión por destruir a Jack y no dudará en usar bombas, misiles, metralletas. Y es justamente, cuando esta mujer misteriosa consigue finamente atraparle a Jack, que éste se quita las gafas, se arrodilla frente a la chica y le suplica que no le mate con un discurso rico en ingenio y humor.

Carrie Fisher: la mujer misteriosa

El ingenio y el humor le salvan a la vida a Jack

El segundo enemigo de los hermanos Blues es la policía.

Dos policías deciden atrapar a los hermanos cueste lo que cueste después que fueron engañados por ellos al escapar cuando los iban a detener. Como es lógico, varias veces se darán las posibilidades de que esto suceda y una de las más espectaculares en la película es la persecución dentro de un centro comercial. Escenas velocísimas y escandalosas por la destrucción masiva que provocan tanto los policías como los hermanos Blues. Es una de las mejores escenas.

Persecución y destrucción de un centro comercial

Un grupo de nazistas estadounidenses también forman parte del grupo selecto de los enemigos de Jack y Elwood.

Los hermanos Blues parecen tener un solo principio moral: ellos mismos; por tanto, no les incomoda en absoluto perjudicar a “los otros” cuando tienen que defender sus intereses. Es de esta forma que ellos interrumpen una manifestación política de los nazistas, lo que provoca la alegría del público que repudia a este grupo y, al mismo tiempo, el odio y el juramente de los nazistas de que acabarán con los hermanos.

Los hermanos Blues destruyen la manifestación de un grupo nazista

Un conjunto de música country también es enemigo de los hermanos Blues al haber sido engañados por ellos.

La secuencia más importante de los enfrentamientos de los hermanos Blues con sus enemigos se da casi al final de la película. Después que ellos consiguen organizar un show musical que les da el dinero necesario para pagar los impuestos del orfanato, deben ir de madrugada del local del show que organizaron a la ciudad de Chicago burlando la vigilancia intensa que les montó la policía. Son diez minutos de persecución en la que intervienen, además de los enemigos ya mencionados, la policía de Illinois, la de Chicago y hasta la guarda nacional.

Diez minutos de persecución y cientos de extras

Ejército, policía, bomberos... todos quieren atrapar a los hermanos Blues

Es definitivamente la mejor escena de la película y hay que verla para admirar la grandeza de su realización. Son centenas de extras que participan en la persecución que se da a 160 sesenta kilómetros por hora. Aunque hubo efectos especiales, hubo también muchas escenas de alto riesgo que salieron a la perfección, como cuando los hermanos Blues van a 160 kilómetros –de verdad, sin ningún tipo de truco- por las calles de Chicago. Además, cuando finalmente los hermanos llegan al edificio donde está la oficina recaudadora de impuestos, la acción llega a su máximo momento de expresión cuando llegan a la plaza camiones con centenas de soldados de la guardia civil, helicópteros, decenas de patrulleros, la policía montada, bomberos, etc. para atrapar a los hermanos Blues.

Como es de esperarse, los hermanos consiguen su objetivo y pagan los impuestos antes de ser atrapados; sin embargo, uno de los logros cómicos de esta escena aparatosa, que significó el uso de centenas de extras y una precisión milimétrica, es el contraste en la agitación y los gritos de guerra de la policía y de la guardia nacional cuando llegan a la plaza, entran al edificio y suben las escaleras, con la parsimonia de los hermanos al subir en el ascensor después de haber violado todas las reglas y leyes posibles. Como hemos dicho, es como si nada les pudiera afectar.

Gritos de guerra y mucha gente para atrapar a los hermanos Blues...

La parsimonia de los hermanos Blues

The Blues Brothers también tiene varias escenas musicales de excelente calidad y solo queremos mencionar dos grandes momentos: la canción The Old Landmark interpretada por James Brown y el coro del reverendo James Cleveland, con una coreografía magnífica y la fantástica presentación de Cabe Calloway, interpretando una composición suya de 1931: Minnie the Moocher.

Bellísima interpretación de Cabe Calloway del cásico "Minnie the Moocher"

The Blues Brothers es una película que marcó una época y que fue hecha para entretener. Tuvo mucho éxito y se originó en los personajes creados por John Belushi y Dan Aykroyd de mucha popularidad en la televisión estadounidense. La película no inventa ni formas narrativas ni secuencias que no hubieran sido hechas con anterioridad; sin embargo, lo que se hizo fue hecho con precisión.

Texto original de Patricio Miguel Trujillo Ortega.

Proibida sua reprodução total ou parcial de qualquer modo ou por qualquer meio, sem prévia autorização escrita do autor.